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misakapakapahay 很像很帥一樣：《第一浪潮 2.0：當代臺灣原住民族時裝藝術展》

《第一浪潮》於2025年重新梳理，新增展件，盛大再演（Cegaw Tjudjaliman林家卿攝）。

《第一浪潮》曾於2022年於史前館南科考古館展出，串連澳洲與臺灣（Lisin Mayaw曾以文攝）。

這是一個關於如何連續兩次，將巡迴展蛻變為全新特展的故事。《第一浪潮：當代臺灣原住民族時裝藝術展》（簡稱《第一浪潮2.0》）延伸自2022年於國立臺灣史前文化博物館（以下簡稱史前館）南科考古館展出的國際巡迴特展。計畫緣起於2020年澳洲本迪哥美術館（Bendigo Art Gallery）推出的《Piinpi》特展——這是澳洲首次大規模匯集第一民族設計師、藝術家與手工藝者的時裝盛事。

巡迴展的巡迴展

「Piinpi」在Kanichi Thampanyu（澳洲東約克半島第一民族）的語言中，形容的是地景隨時空流轉的細微變化。當時，史前館團隊決定在策展中加入臺灣元素進行對話，而非單純「複製貼上」。既然展覽內容並不完全相同，要想出一個能統整雙邊並且傳達原展覽概念的名稱，便成為團隊的首要任務。

《第一浪潮》這個名字的誕生，其實藏著巧思。團隊最初試圖以「大地的容顏」呼應澳洲原展覽《Piinpi》字面上「大地隨季節變化」的概念。在腦力激盪過程中，過程中陪伴團隊的展示顧問——博物館學者施承毅助理教授，從「大地衣裳」聯想到「地衣」，進而結合澳洲「第一民族」的概念，將「地衣」以諧音轉化為「第一」；再結合時尚背後的「潮流」意象，「第一浪潮」的名稱躍然而出。即便時任館長傾向跳脫傳統四字命名，但由於這個名字蘊含強烈的宣示性與立場，最終獲得一致認可，定名為《第一浪潮：當代澳洲與臺灣原住民時裝藝術展》（簡稱《第一浪潮1.0》）。

「透過時裝藝術，定義屬於自己的時尚」，這是不論1.0還是2.0版本都強調的訊息。然而，相較於1.0版本刻意與澳洲展區的季節呼應，此次《第一浪潮2.0》的敘事結構更貼近臺灣當代生活的真實視角，也圓滿了當時策畫臺灣展區時埋下的未竟之志。

回想當初，我刻意選擇阮志軍的作品作為臺灣展區的結尾，背後其實有著特殊的用意。阮志軍在實踐大學服裝設計系畢業後，回到家鄉屏東內獅，在田野與文獻中築起關於排灣族服飾造型、紋樣與技法的資料庫。由於外界往往難以辨識排灣族服飾的區域性差異，導致特定區域的形制被誤認為全族的代表。為了讓南排灣Paliljalilja的服飾文化永續發展，阮志軍選擇從產業面著手：經過多年嘗試，他克服了工業刺繡的振幅技術難題，讓以往極度仰賴人力的繡片得以在兼顧設計質感的前提下穩定產出。這項關鍵轉變帶動了南排灣傳統服飾的製作產能，讓族人得以重新展現區域特色，並意識到服飾在地發展的歷時性。

憑藉著開發工業刺繡的成功與時尚設計的天賦，阮志軍將傳統素材轉化為能在日常生活中不同場合穿搭的款式，不限族別與身分。這些行動，皆是一位年輕設計師返回原鄉後，為解決文化永續所採取的設計實踐。

族服即是日常風景

在當時巡迴展籌備過程中我了解到，相對於澳洲第一民族，臺灣原住民的族服或傳統服依然活躍於當代生活，這是一件極其幸福的事。《Piinpi》的澳洲參展設計師Ingrid Verner曾在訪談中提到：「我認為澳洲缺乏傳統服飾元素反而是一個機會，我們可以打造全新的樣子。」（I see opportunity in the absence of traditional dress codes in Australia. The challenge is to create a fresh identity.）回頭看臺灣，我們擁有的是另一種別人求之不得的文化生命。

現在回想起來，當時在《第一浪潮1.0》結尾的阮志軍作品，如伏筆般預告了《第一浪潮2.0》的序幕。作為展覽的破題，第一單元「共潮生」透過包含阮志軍在內的七套作品，呈現族服與時裝共存、共融且相互影響的現況。大幅輸出的圖像中，身穿族服與設計服裝的人們並肩走在臺東市區街頭，這畫面是我在臺東學習與生活的經驗與記憶——無論返鄉或遠行，族服或相關單品始終是人們隨身攜帶、搭配的一部分，甚至穿著出席重要場合。臺灣原住民族的族服不只存在於祭典，更已融入日常，與時裝混搭，成為獨特的文化風景。這次《第一浪潮2.0》也榮幸展出了阮志軍2025年最新的實驗之作：他以珠繡模擬織布的視覺質感完成排灣族男子服飾的kacing褲片（後敞褲），嘗試在市場上以較低的時間成本與極高成本的傳統織布進行對話，持續探索族服在現代社會中存續的各種可能。

自信登場，亮出 talmaindu 帥氣

街頭、公車、火車月台與閘門——展場中呈現的這些場景，構築了極具生活感的敘事空間。族服與時裝作品在此並列，具體回應了我為這檔展覽定調的主概念：「……這些作品……滲透日常，走進城鄉街頭。」為了體現這種「共生」而非「對照」的關係，設計團隊曉宇宙博物館事務所為史前館打造出一個揉雜交織的敘事場域。其中，最令人愉快的製作亮點，莫過於延續了當初《Piinpi》的澳洲參展藝術家Grace Lillian Lee所創立的FNFD（First Nations Fashion and Design） 帶給我們的啟發：團隊邀請布農族造型師Ali Takisvilainan邱珮珮為主視覺模特兒捉刀創意設計，充分發揮大膽且具實驗性的「玩」味精神。

造型轉化的過程比預期中更為繁複且精緻。首先，Ali與館方及排灣族攝影師Cegaw Tjudjaliman林家卿共同針對三套服裝作品與四個場景主題進行深度討論（在此之前，攝影師與平面設計師已就主視覺概念達成共識）。在釐清作品的結構、色彩與材質後，Ali隨即展開採買任務，挑選合適的配件單品進行穿搭，並提交造型計畫簡報，一方面確保預算執行精確，二來由我向原服裝設計團隊說明並取得轉化造型的同意。

完成採買後，再回到館內以人臺進行穿搭測試。最終，由三位青年——Insay Kungkuwan陳亮竹、Selep Yalonglong戴雲、Bukun Palalavi余士杰擔任模特兒，與Ali進行試裝與細節微調。拍攝當天，更有四位青年加入，「本色演出」穿上驕傲的族服入鏡，他們分別是Iljan Pavavaljun陳豪、Ha’hem Darulivak周紋先、Ino Pacida黃恩棋以及Salung Takisvilainan邱欣蓉。素人模特與專業造型的混搭，真實地呈現了文化在生活中的動態模樣。

素人模特與專業造型的混搭，呈現日常生活中動態的原民文化與創造力（Cegaw Tjudjaliman林家卿攝）。

透過時裝藝術，定義屬於自己的時尚（Cegaw Tjudjaliman林家卿攝）。

除此之外，在1.0與2.0的進程之間，史前館透過文化部媒合，完成了臺北時裝週SS23「原住民族人間國寶跨界時尚：織寫在布上的文明」的部分作品典藏；特別感謝DYCTEAM與賽德克族藝師Seta Bakan張鳳英將三套跨界合作的設計作品捐贈給館方。因此，《第一浪潮 2.0》得以納入包含Ljavaus Aluguyan陳利友妹、Ljumiang Pacekelj許春美及Yuma Taru尤瑪．達陸等五位原住民族人間國寶藝師的精湛作品，與其跨界合作的品牌則包括JUST IN XX、SHAO YEN、BOB JIAN等。

感謝DYCTEAM與賽德克族藝師Seta Bakan張鳳英，將三套跨界合作設計作品捐贈給史前館（Cegaw Tjudjaliman林家卿攝）。

史前館透過文化部媒合，完成了臺北時裝週SS23「原住民族人間國寶跨界時尚：織寫在布上的文明」的部分作品典藏（Cegaw Tjudjaliman林家卿攝）。

是展覽，也是場運動

我曾讀過一位日本作者分享的穿衣哲學，箇中精髓其實就是一種「我就是標準」的自信。以此為這段分享收尾，《第一浪潮 2.0》不只是在慶祝臺灣原住民豐沛的創造力；它是一場博物館展覽，更是一場你我都在參與的文化運動。歡迎大家親臨史前館，穿上你最潮的服飾，一同感受這股浪潮所帶來的文化自信與力量。

展覽資訊：

名稱：第一浪潮：臺灣原住民族當代時裝藝術展

​展期：𝟐𝟎𝟐𝟓.𝟏𝟏.𝟏𝟏-𝟐𝟎𝟐𝟔.𝟓.𝟏𝟕（週二至週日 09:00–17:00）

地點：史前館康樂本館第二特展室

（本文作者為史前館研究典藏組助理研究員，《第一浪潮 2.0》特展策展人）